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Con diez años tuvo sus primeras alucinaciones, en aquel momento no sabía que le iban a salvar la vida. Yayoi Kusama es hoy la artista japonesa más internacional.
Por Etelvina Miranda
Los puntos son la obsesión de la artista japonesa Yayoi Kusama.
MARC JACOBS Y YAYOI KUSAMA, frente al estudio de la artista en Tokio en 2006. ©Kishin Shinoyama.
Sin embargo, este elemento tan sencillo es la principal característica de su obra que no deja indiferente a nadie.
Anatomic explosion (EXPLOSIÓN DE ANATOM ÍA) es el happening que Kusama realizó en 1968 y que ahora se encuentra en la New York Stock Exchange.
Igualmente es protagonista de sus propias composiciones, Kusama confiesa que su trabajo es producto de las alucinaciones que viene padeciendo desde la infancia.
KUSAMA EN 1967. La propia destrucción, Juego de caballos. La artista nipona transformando el mundo a través de sus famosos lunares. Nada, ni ella misma, se libra de ‘su locura creativa’. Hoy es una de las artistas japonesas más internacionales.
El prestigioso diseñador Louis Vuitton ha escogido a la artista nipona como colaboradora en su último proyecto y juntos han creado una nueva colección de moda y complementos que está revolucionando las tendencias actuales.
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Una fusión entre arte y moda protagonizada por la obsesión de los patrones en serie.
La artista en un happening en la calle 14 de Nueva York en 1966. Foto de Eikoh Hosoe.
Artista revolucionaria y gran activista en su juventud, Kusama acepta con normalidad su enfermedad mental.
Sin embargo, reside por voluntad propia desde hace más de 30 años en un centro psiquiátrico que abandona cada día en un autobús decorado con lunares, de camino a su estudio de creación.
Además, Kusama ha declarado en numerosas ocasiones que su arte es el reflejo de su salud mental.
La artista nipona comenzó a pintar a los diez años cuando aparecieron sus primeras alucinaciones en las que los puntos y los patrones en serie conformaban todo su alrededor.
Macaroni cort. Obra Mix media (118,5 x 80,3 x 12,0 cm) creada por Kusama en 1963 y que pertenece a la colección del Museo de Arte Itabashi de Tokio.
La artista asegura que no hay nada más fascinante que la política.
Anatomic explosioN (EXPLOSIÓN DE ANATOM ÍA) es el happening que Kusama realizó en 1968 y que ahora se encuentra en la New York Stock Exchange. With Infinity Net (Con Infinitos Puntos), realizada en en 1961. Una instalación de la artista nipona Infinity Mirror Room-Kusama’s Peeo Show/ Endless Love Show, de 1966 y
adquirida por la galería Castellana Gallery New York.
Por lo tanto, conocidas fueron sus performances en los 70 en las que aparecía con hombres y mujeres desnudos, siempre reivindicando alguna causa política.
‘Si no fuera por el arte, yo ya me habría suicidado’, asegura Kusama, quien ha encontrado en la disciplina artística el modo de canalizar sus alucinaciones y obsesiones.
Por ello ‘Seguiré pintando hasta que me muera’ , afirma la nipona.
Asimismo, los colores vivos y brillantes, las formas geométricas redondas y alargadas o la obsesión por los patrones de puntos son algunas de las características que acuñan el sello de identidad Kusama.
Instalacción Mixed Media realizada en200, Dots Obsession New Century(Le Consortium, Dijon, Francia).
Finalmente, es una artista que también se incluye como protagonista en sus propias composiciones en lo que parece un escenario sacado de su propia ilusión.
Revolucionario tardío, autor de varios libros de consejos valiosísimos, es todo un referente educativo en Francia.
Apuesta desde hace años por cambiar un sistema obsoleto y recomienda erradicar los mensajes negativos a los niños, porque ‘al aprendizaje se llega por placer y no con sufrimiento.’
Por Marieta Frías Fotografía Delphine Duboys.
‘Nuestros sistemas escolares son una aberracion. Yo voto por que los niños no vayan al colegio’.
Este es el postulado de Alain Sotto, psicopedagogo y neuropedagogo francés especializado en ayudar a los ‘malos estudiantes’. Que por cierto, no existen. Según Sotto ‘no hay malos alumnos, lo que hay es un sistema educativo obsoleto’.
Para llegar a estas conclusiones Alain, conocido productor de televisión en los años 70, ha recorrido un largo camino de la mano de su esposa, la pedagoga Varinia Oberto.
‘Cuando conocí a Varinia tomamos la decisión más importante de nuestra vida: irnos a vivir al campo para tener un hijo, educarle, dedicarle atención, tiempo.
Todo lo que en una ciudad resulta tan complicado’.
La fotografía del francés Denis Rouvre nos enseña cómo se puede hacer de una pasión una vida
Reconocido internacionalmente, el estilo directo e intimista del autor se ha convertido en su seña de identidad aportando una nueva dimensión al mundo de los retratos.
Por Cristina Gayol
Traducción Grégory Frangeul
Fotografía © Denis Rouvre
Madre e hijo posan frente a cámara en su recién estrenada casa.
Serie ‘Kanak’.
Acostumbrado a retratar a celebrities y personas de la talla de Bill Gates , el fotógrafo parisino Denis Rouvre confiesa su predilección por la gente anónima.
Ésa que no sabe cuál es su mejor perfil y que nunca ha ensayado hasta el límite sus expresiones faciales, sino aquella que mira desnuda a una cámara haciendo visible sus partes más íntimas e internas.
Ésa que no miente.
Cuerpos desnudos disfrutando del libre albedrío. Serie ‘Edén’.
Reconocido a nivel internacional con premios como el World Press Photo, Rouvre tardó años en aprender a utilizar la palabra ‘artista’ porque siempre prefirió hablar de Fotografía, con mayúsculas.
‘Veo la fotografía como una herramienta de libertad que me permite tener diversas visiones del mundo distintas de todos los demás.
Eso es lo maravilloso que tiene que, de un mismo hecho que en apariencia es igual para todos; cada uno tenemos nuestra propia forma de verlo, es una realidad descubierta sólo para mí’.
Asegura Rouvre con un brillo que sus ojos no pueden esconder.
‘Después de 25 años aún sigo viendo cosas, no en el momento en el que saco la foto pero sí después.
Es increíble cómo una fotografía sacada hace años no te dijo nada en su momento pero te cuenta ahora infinidad de cosas para las que entonces, quizá, no estabas preparado’.
De carácter afable y hablador, Denis nos recibe en su estudio lleno de bártulos y trastos propios de un artista que pueblan cada esquina, cada rincón de la habitación.
El mundo de la moda tiene a Helmut Newton, el fotoperiodismo, a Robert Capa y la fotografía de gatos, a Walter Chandoha.
En 1949, el encuentro con un minino callejero le cambió la vida y su carrera transformó la fotografía de gatos y la elevó a la categoría de arte mucho antes de los #gatosdeinstagram.
Esta colección rinde homenaje a animales fascinantes y a un artista, hijo de padres ucranianos, fallecido en enero de 2019 a la edad de 98 años, cuyo amor por gatos y perros se aprecia en cada imagen.
Por MARÍA GONZÁLEZ
FOTOGRAFÍAS DE WALTER CHANDOHA
Los pitagóricos creían que los animales experimentaban la misma gama de emociones que los humanos.
Investigaciones actuales en este campo nos proporcionan pruebas convincentes de que, al menos algunos animales, probablemente, sienten una gama completa de emociones, incluyendo el miedo, la alegría, la felicidad, la vergüenza, el resentimiento, los celos, la rabia, la ira o el amor.
Una de las emociones más complejas de evaluar es la empatía, esa capacidad para comprender y compartir los sentimientos de quienes nos rodean. Los seres humanos mostramos empatía hacia otros seres humanos y hacia losanimales por igual.
¿Hacen Los animales lo mismo? Las investigaciones apuntan a que sí.
La empatía es un sentimiento de identificación con algo o con alguien y es, probablemente, más frecuente en las especies sociales, o en los animales que se asocian en grupos sociales.
El Dr. James C. Harris, de la Universidad Johns Hopkins, la describe como ‘un mecanismo evolutivo para mantener la cohesión social’.
En otras palabras, los animales que dependen de un grupo para sobrevivir deben ser más sensibles a lo que sienten los que les rodean, sean
humanos o no.
La idea de la empatía en los animales introduce una forma totalmente nueva de ver a nuestros vecinos no humanos, sugiriendo que nuestros sentimientos hacia ellos podrían ser recíprocos.
También es posible que se preocupen de verdad por los miembros de su propia especie de una manera con la que podemos relacionarnos.
Este complejo rasgo emocional se ha observado en otros primates, así como en perros, gatos, ratones y elefantes.
Y de gatos y perros vamos a hablar en este reportaje, porque el encuentro con un minino callejero cambió la vida al fotógrafo Walter Chandoha.
Su carrera transformó la fotografía de gatos y la elevó a la categoría de arte mucho antes de los #gatosdeinstagram.
Este reportaje rinde homenaje a gatos y perros fascinantes y a un artista.
Hijo de inmigrantes ucranianos, fallecido en enero de 2019 a la edad de 98 años, cuyo amor por los animales se aprecia en cada imagen y nos confirma que los animales sienten y padecen.
Hijo de inmigrantes ucranianos creció en Nueva Jersey, Estados Unidos.
Se inició en la fotografía en uno de los muchos clubes de aficionados que proliferaron en ese país durante los años 30, 40 y 50 del siglo XX.
Participo en la Segunda Guerra Mundial y sus conocimientos fotográficos hicieron que, durante la mayor parte de este conflicto bélico, fuera asignado como fotógrafo en el Pacífico Sur.
Un periodo que le marcó de manera profunda y que no podía recordar sin llorar.
La historia empieza una tarde de invierno de 1949, cuando Walter Chandoha se dirigía a su apartamento en Astoria, Queens, cuando vio un gatito gris abandonado que temblaba en la nieve.
Lo cogió y lo metió en un bolsillo de su abrigo militar y se lo llevó su casa. Esta decisión cambió su vida para siempre.
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Las travesuras del gatito -corriendo por el apartamento cada noche como si estuviera poseído, haciendo ‘shadowboxing’ con su imagen frente a un espejo de la casa- inspiraron a Walter y a su mujer, María, a llamarlo Loco.
Y fue así como Chandoha se animó a fotografiar a su gato loco y empezó a enviar sus fotos a periódicos y revistas y pronto, su mascota adoptada, le haría convertirse en el fotógrafo preferido de periódicos y revistas prestigiosas de todo el mundo como ‘Life’ o ‘National Geographic’.
Y así empezó a fraguarse la carrera de quien ha sido, unánimemente reconocido, como el mejor fotógrafo de mascotas del mundo.
Muchos han sido los músicos de jazz que nos han dejado durante la pandemia. Este es nuestro homenaje a todos ellos, aunque en esta página solo quepan cuatro. Don´t stop the music, que la música no pare y abrace todos los rincones de la tierra.
ELLIS MARSALIS TRIO. On the Second Occasion. Hemos escogido este disco porque creemos en las segundas oportunidades. A pesar de que es reconocido por muchos como uno de los más importantes pianistas de jazz moderno de la ciudad de Nueva Orleans, la importancia de Ellis Marsalis en la historia del jazz se debe, sobre todo, al enorme prestigio como educador. Fue mentor y padrino musical de artistas que bien podrían articular algo así como ‘la nueva escuela Nueva Orleans´. Los pianistas Charlie Dennard y Paul Longstreth, los saxofonistas Donald Harrison y Victor Goines, el cantante Harry Connick Jr, el contrabajista Reginald Veal, entre otros. También fueron sus alumnos cuatro de sus seis hijos: el percusionista Jason, el productor Delfeayo y quienes constituyen dos de los nombres más importantes del jazz norteamericano en las últimas décadas: el saxofonista Branford y el trompetista Wynton.
THE BUCKY PIZZARELLI TRIO. Con su técnica instrumental impecable y afilado sentido del humor, Bucky Pizzarelli fue un pilar de la escena jazzística neoyorkina. Tras sus comienzos como guitarrista de sesión, querido y muy solicitado pero siempre al margen de las marquesinas, saltó a la notoriedad en la década del 70, cuando dejó la orquesta Tonight Show con la que tocó durante los años 50 y 60 y formó un celebrado dúo con el guitarrista George Barnes. Desde ahí, Pizzarelli mantuvo un perfil alto, tocando solo, encabezando grupos pequeños o como acompañante de músicos importantes como los saxofonistas Zoot Sims y Bud Freeman y los violinistas Stéphane Grappelli y Joe Venuti. En 1980 conformó un nuevo dúo de guitarras, esta vez con su hijo John que por entonces tenía 20 y recibió así su bautismo de fuego. ´Aprendió de mis miradas ardientes cada vez que él tocaba un acorde equivocado´ recordó Bucky en alguna entrevista, con su habitual humor.
WALLACE RONEY. A tribute to Miles. Uno de los grandes trompetistas de todos los tiempos. Su historia es única entre los músicos de su generación, porque aprendió directamente de Miles Davis. De hecho, la influencia de Davis en Roney era tan profunda que Roney es capaz de conseguir una imitación perfecta de la trompeta de Davis que engaña incluso a los expertos de jazz mas reconocidos internacionalmente.
MANU DIBANGO. Uno de los referentes del jazz africano. Su estilo es, esencialmente, una fusión de jazz, soul y ritmos africanos, y de salsa, aunque en mucho menor medida. También incorporó a su repertorio algunas
canciones tradicionales francesas y otras pertenecientes a la chanson francesa contemporánea, como la Chanson pour l’Auvergnat, de Georges Brassens, o La javanaise, de Serge Gainsbourg. Su canción Soul Makossa, se convirtió en uno de los primeros éxitos reconocidos mundialmente de la música africana. También ejerció como difusor global de los ritmos africanos, colaborando con artistas de diferentes géneros y países de todo el mundo. Su carrera profesional estuvo marcada por diferentes polémicas ya que otros artistas internacionales como Rihanna, Jennifer López o Michael Jackson, fueron denunciados por plagio tras reconocer varios fragmentos de la canción de Dibango en sus piezas sin el reconocimiento de su autoría.
Hace diez años tuvo un sueño: crear una academia con la que impartir educación gratuita en cualquier parte del mundo, lo ha conseguido.
Atrás quedaron todos aquellos que hace una década pensaron que esta era la idea de un loco sin futuro.
Hoy más de 100 millones de usuarios registrados se benefician de aquel sueño optimista y comprometido de un joven que quiso soñar un mundo nuevo y lo logró.
Por JULIA HIGUERAS
Una noche usted tuvo un sueño: crear una institución global para el nuevo siglo que nos ayudara a reflexionar el sistema académico desde abajo. ¿Cree que ha conseguido ese sueño con la Academia?
La respuesta no es sencilla, es sí y también no.
Por un lado, pienso que estamos en el camino, aunque estamos muy al principio y nos queda mucho recorrido por hacer.
Sin embargo, también es verdad que la Academia ha alcanzado un nivel que incluso hace diez años imaginar que esto sería así habría sido delirante para mí.
Estoy seguro de que muchos pensaron que era una idea sin futuro que entraba en la categoría de ciencia ficción.
Usted crea la Academia con la intención de proporcionar una educación mundial gratuita…
Sí, esa es la idea: una educación mundial gratuita para todos en cualquier parte del mundo.
Recuerdo que solía soñar con que algún día esta Academia podría llegar a diez o 50 millones de personas, y hoy, solo diez años después, la Academia tiene 100 millones de usuarios registrados, y cada mes se registran millones de nuevos estudiantes.
Con la crisis de la COVID se ha incrementado mucho el número de usuarios y hemos conseguido que cientos de voluntarios y donantes nos ayuden a cubrir, no solo el temario de matemáticas, sino también inglés y artes lingüísticas, ciencias o humanidades.
En ese aspecto, creo que hemos progresado mucho, pero la razón por la que aún no estoy del todo satisfecho es que soy consciente de que nos queda mucho camino por recorrer.
Aunque hay muchos estudiantes que usan la Academia, hay muchos otros que podrían beneficiarse de ella y que necesitan ese acceso.
Creo que aún tenemos mucho trabajo por hacer, pero tengo fe en que estamos en el camino de convertirnos en una institución para que las generaciones del futuro, si tienen acceso a la Academia, puedan alcanzar su máximo potencial.
Asociación Dr. Jaime Campos-Castelló, una propuesta innovadora para que todos ganemos a la vez que sumamos en la inclusión social de las personas con discapacidad intelectual.
De manera sencilla, cada uno de nosotros podemos contribuir desde nuestros gestos y necesidades cotidianas que se verán recompensadas gracias a la generosidad y solidaridad de cada una de las empresas que colaboran con la Asociación.
Sin ningún gasto añadido, resuelve un problema que tengas y disfruta de las ventajas de un modelo solidario que potencia la autonomía de las personas con discapacidad intelectual.
La Asociación Dr. Jaime Campos-Castelló tiene como objetivo principal fomentar un modelo económicamente viable para fomentar la inclusión social de personas con discapacidad intelectual, sea cual sea, como complemento imprescindible de la inclusión laboral.
Los pisos tutelados y/o de entrenamiento, que ya gestionan terceras entidades de referencia, son el marco idóneo para garantizar esta inclusión social.
La clave y la gran ventaja de este modelo es que siempre salen beneficiados todos los que participamos del mismo, sin excepción.
Tan sencillo como:
1. Resolver alguna de nuestras necesidades cotidianas y directamente con las empresas ligadas a la Asociación.
2. Una vez hemos resuelto nuestro problema, sin ningún coste extra para nosotros conseguimos provocar que también se beneficien muchas más personas.
¿Quién en su día a día no necesita enviar un paquete, repostar, contratar un seguro, soluciones de movilidad, aprender idiomas, contratar cuidados para los que más queremos, abogados, viajes, alarmas, cámaras, impresoras, luz camping gas…?.
Cada uno de esos gestos cotidianos se convierte en una oportunidad para sumar con solidaridad y sin que nunca implique un desembolso “extra” para nosotros. La sociedad en su conjunto, las familias, las empresas colaboradoras y todos los beneficiarios directos de los pisos ganan siempre. Todos reman en la misma dirección, sumando intereses comunes y potenciando sinergias.
¿Quién no apoyaría un modelo solidario 100% sostenible, circular, transparente e inteligente?
¿Cómo funciona este modelo en el que todos ganamos?
SEUR, GALP, O2-TELEFÓNICA, CANON, VIVE LIBRE, GAES AMPLIFON, DELYSER, COLABORA ENERGÍA, SIDIOMS, ARGUS, SERVICIO HOGAR, MARCO ALDANY, MAPFRE, SECURITAS DIRECT… están esperando resolver tu necesidad personal, para de manera automática realizar una donación sin coste extra para ti.
Tan sencillo como encontrar tu solución a través de la página web de la Asociación
www.asociaciondoctorcamposcastello.es/beneficiate-beneficianos
Es una suerte contar con todas las marcas que secundan este nuevo enfoque de su Responsabilidad Social. Y no es menos importante el apoyo de las Madrinas y Padrinos de primera
fila con los que tenemos la suerte de contar. Todos ellos contribuyen a dar una mayor visibilidad a este nuevo concepto de solidaridad en positivo, con impacto, comprometida y que nos permite a todos poder beneficiarnos directa e indirectamente en muchos aspectos, a la vez que podemos contribuir y dejar huella.
Afirma Yago Campos, Fundador de la Asociación.
Este modelo está diseñado para que cualquiera de nosotros siempre nos beneficiemos y con el compromiso y garantía de que el 100% de los ingresos, absolutamente todo, llega a los pisos
tutelados y/o de entrenamiento.
Todos somos el protagonista de este innovador modelo económico para la generación sostenible de ingresos solidarios. Contribuyendo a dar un paso muy importante para garantizar el futuro de estas personas, de las entidades que les apoyan y la inmediata repercusión social y económica positiva que ello implica.
Así lo han valorado nuestras madrinas y padrinos, Carlos Latre, Leo Harlem, Agatha Ruíz de la Prada, Espido Freire, Antonio Resines, Andrés Aberasturi o Lorenzo Silva, entre muchos otros.
www.asociaciondoctorcamposcastello.es/madrinas-y-padrinos
Te invitamos a dar un paso adelante en tu próxima compra.
“Compra con Impacto Solidario”
Amor por el graffiti, el color y la vida. Te presentamos a un artista de cinco cabezas, diez manos y un solo corazón. Sus obras pretenden transformar los espacios y las personas, robar sonrisas en la calle. Son el colectivo de artistas Boa Mistura: el arte capaz de cambiar el mundo.
Por JAIME RAMOS Y MARTA RODRÍGUEZ
Fotografía BOA MISTURA Y LUIS SÁNCHEZ ALBA
El primer graffiti de Juan, licenciado en Bellas Artes, fue su propio pseudónimo, Derko, en tonos azules. A Pablo, ilustrador, le dio por pintar caras y firmaba como Purone. El otro Pablo, diseñador gráfico, eligió Arkoh y Rubén, ingeniero, firmaba como Rdick. Por su parte, Javier, arquitecto, se hizo llamar Pahg. Esto ocurría a finales de los noventa en el barrio madrileño de la Alameda de Osuna. Estudiaban en el instituto y quedaban todos los domingos para, como ellos dicen, ‘hacerse un mural’. Pintar paredes era su forma de relacionarse. A finales de 2001 estos cinco apasionados por el graffiti decidieron unir fuerzas y crear un estudio propio. Boa Mistura (www.boamistura.com) fue el nombre escogido. Hoy sus trabajos están repartidos por todo el mundo. Ciudades como Berlín, Sao Paulo o Ciudad del Cabo sienten el orgullo de lucir ‘arte boa mistura’ en sus calles.
Durante estos once años, este colectivo de artistas urbanos no han dejado de dar rienda suelta a su talento. Desde la creación de obras más polémicas, potenciando siempre la denuncia en positivo, pasando por murales como el pintado frente a los restos del viejo muro de Berlín homenaje al diálogo y entendimiento (con motivo del 20º aniversario de su caída), el objetivo de estos cinco artistas siempre ha sido mejorar los espacios que escogen o les otorgan. Han participado en exposiciones en centros de arte como el Museo Nacional Reina Sofía o la Casa Encendida, realizado proyectos para marcas como Google, Microsoft, Sony Music o Adidas. Han sido nominados al Grammy Latino 2010 en la candidatura Mejor Diseño de Empaque. Pero si algún titular los ha situado en las páginas de los periódicos internacionales ha sido este: El arte capaz de cambiar el mundo.
NADA ES CASUAL
Como todo lo que les ha pasado a los chicos de Boa Mistura desde sus inicios, el proyecto Diamond Inside -en Sudáfrica- les llegó por casualidad. O no por casualidad sino por causalidad. Estaban predestinados a ello. Cuando los conoces, como nosotros hemos tenido el placer, te das cuenta de que todo lo que tocan se convierte en mágico. Ejemplo de ello fue el primer encuentro que tuvimos después de una llamada de teléfono y una conversación de cinco minutos con Juan. ‘Queremos conoceros, queremos que estéis en Anoche tuve un Sueño. ¿Nos tomamos una cerveza?’. Al día siguiente una jarra de litro helada recién tirada al mejor estilo madrileño nos recibía en el estudio de la calle San Hermenegildo (en el barrio de Malasaña) para empezar una conversación que ha derivado en este reportaje.
Lo mismo ocurrió con Sudáfrica. Una amiga conoció a Ricky Lee Gordon, un galerista sudafricano (galería A Word of Art) que ya había oído hablar de ellos y acabo invitándolos a hacer algún proyecto en Ciudad del Cabo. Durante un mes el equipo de Boa Mistura realizó intervenciones en las calles del centro de la ciudad, en el emergente barrio de Woodstock, y en el township (zona de chabolas) de Khayelistha. ‘Inspirados por el rápido proceso de cambio que está viviendo el país, la positiva huella de Mandela y la actitud constructiva de la mayor parte de la población, concebimos una serie de murales exprofeso para Sudáfrica’.
TRANSFORMAR EL MUNDO
La fuerza de este colectivo no es otra que su gran capacidad para hacerse con un espacio. ‘Cuando llegamos a un sitio lo más importante es elaborar una estrategia de intervención. Reflexionamos sobre el entorno, analizamos que hay alrededor, qué pasa en esas calles. Si lo que vamos a hacer no mejora el lugar, no intervenimos’. ¿El resultado? Una serie de cinco piezas con mensajes positivos en las paredes del barrio de Woodstock. Discover the diamond inside you (Descubre el diamante que llevas dentro) o Fight for your dream (Pelea por tu sueño) son dos de las frases que aparecen en dos de los murales que conforman este trabajo. Lo completa el taller participativo Velokhaya Khayelitsha.
Khayelitsha es uno de los poblados más grandes de toda Sudáfrica. Un océano de viviendas de chapas grecadas, maderas y cartones que se extiende hasta desvanecerse en el horizonte. Allí se encuentra Velokhaya, una escuela de ciclismo que entrena a 300 niños, inculcándoles los valores humanos a través del deporte. Y que, en muchos casos, se convierte para los chicos en su única válvula de escape, en un sitio seguro ante las difíciles situaciones que tienen en casa. Velokhaya, ante todo, es una gran familia. La aportación de Boa Mistura ha sido convertir las instalaciones de esta escuela de bici en un hito de color. ‘Nuestro objetivo fue renovarle la cara. Nosotros dibujamos las letras con el nombre, Velokhaya Khayelitsha, y los chavales se encargaron de pintar con nuestra ayuda todos los contenedores que conforman la escuela y que estaban oxidados. Implicando a los alumnos conseguimos dos objetivos. Por un lado, que sintieran Velokhaya todavía más suya. Cuando implicas a la gente en transformar su propio espacio, consigues que lo valoren mucho más. Por otro, creemos que lo que uno tiene a su alrededor le afecta a lo que siente, a su persona. Y el color, sin duda, te ayuda a ver la vida en positivo. Fue maravilloso estar mano a mano y compartir esos días con ellos’.
Y LLEGÓ BRASIL
Invitados por la Embajada Española para que intervinieran en este país, Boa Mistura hizo las maletas y aterrizo el pasado mes de enero en Vila Brasilandia, una de las favelas que proliferan en la periferia de la ciudad de Sao Paulo, a la sombra de los rascacielos.La cuestión una vez allí era qué hacer. El objetivo, como siempre, no era que conocer el lugar, sentir su pulso. Acogidos por los Gonçálves, que se convirtiéron literalmente en su familia durante su estancia, pudieron acceder al difícil contacto directo con la comunidad. Los dos Pablos, Javi, Juan y Rubén se instalaron en la favela, la diseccionaron, la olieron. Querían vivirla, quererla. Intentar entender la confluencia de aspectos sociales, económicos y urbanísticos. Y descubrieron, como principales valores socioculturales la tolerancia, la hospitalidad y la hermandad dentro de la comunidad, independientemente del color de su piel o su creencia religiosa. ‘Brasilandia se estructura entre las vielas y los becos, que son callejuelas sinuosas y estrechas que contorsionan entre las viviendas. La percepción cuando estás allí es la de un conjunto aparentemente desordenado de planos, texturas, materiales, luces, sombras, alturas y escalones’.
El proyecto ha pretendido dar respuesta a esta complejidad espacial tan característica. Aplanando la perspectiva desde un punto (anamorfismo) han dibujado palabras de fuerza, inspiradoras, que invitan a reflexionar, enmarcadas en un continuo de color que cubre por igual todas las paredes. ‘Algunas viviendas estaban construidas con ladrillos, otras con yeso, otras de metal… Además de poner una caja de luz y color en cada uno de los callejones en los que intervenimos, nuestro objetivo fue democratizar el espacio. Ahora todas las casas son igual de bonitas. Hemos querido poner en valor la belleza de un sitio que aparentemente no la tenía’. La implicación de la comunidad en cada una de las intervenciones fue el factor determinante. Niños, jóvenes y no tan jóvenes compartieron, brocha en mano, el proceso de transformación de su entorno. Embelleciéndolo. La convivencia con la gente y su participación activa fueron determinantes en la dirección del proyecto. Beleza, Firmeza, Amor, Doçura y Orgulho son los conceptos elegidos por el colectivo Boa Mistura para las intervenciones. ‘Son palabras que ellos utilizan en su día a día pero que, por encima de todo, les pertenecen’.
PAREDES QUE HABLAN
Maestros de la ilustración y el diseño gráfico, su magia para establecer un diálogo a través de las paredes con los ciudadanos –y siempre en positivo- los sitúa como el gran colectivo urbano con sello español de relevancia internacional. Y es que como su nombre bien dice, son una ‘Buena Mezcla’, traducción en español del término portugués ‘Boa Mistura’. Visiones distintas que se complementan, influencian y se mezclan para formar siempre algo mejor.
En menos de una semana (tras reunirnos con ellos), se marchan a Venecia para intervenir en el pabellón nacional de España en la 13ª Bienal de Arquitectura, invitados por el estudio de arquitectura Ecosistema Urbano. Acto seguido vuelan a Nueva York para realizar un mural por encargo de una abogada que quiere que el puño y letra de estas cinco cabezas, diez manos y un solo corazón sigan pintando el mundo. Si no puedes ir a Venecia, Ciudad del Cabo o Brasil a contemplar in situ los proyectos que estos cinco creadores del ‘arte capaz de cambiar el mundo’ realizan, abre bien los ojos y los oídos. Porque en cualquier esquina de Madrid, donde viven y siguen pintando, las paredes hablan.